Nichts wie hin: Aktuelle Ausstellungen im Blick

Wie eng das Schaffen von fünf Protagonisten der amerikanischen Nachkriegs-Avantgarde (John Cage, Merce Cunningham, Robert Rauschenberg, Cy Twombly und Jasper Johns) miteinander verbunden war, zeigt die Ausstellung im Museum Brandhorst München (und danach im Museum Ludwig in Köln): Hier kann man anhand von teilweise legendären Kunstwerken und zahlreichen Brief-, Foto- und Video-Dokumenten nachvollziehen, wie die spielerische Leichtigkeit und gleichzeitig Ernsthaftigkeit in den Gestaltungen dieser Künstler auf der Grundlage von Lebens- und Liebesbeziehungen wachsen konnte, in denen sich die eigene künstlerische Individualität im Austausch mit anderen formte. Beeindruckend auch die technische Freiheit und Experimentierfreude, mit denen jeder der Fünf originelle Mittel einsetzte, um über die Gattungsgrenzen von Musik, Tanz, Malerei, Skulptur und Zeichnung hinweg an Sinn und Sinnlichkeit reiche Erfahrungen zu ermöglichen. 

Das Gemälde Portrait Henry Schumann von Arno Rink (1968) setzt das Thema der Ausstellung: Dialog. Der porträtiere Kunsthistoriker und -kritiker führte bis 1976 20 Interviews mit Künstler:innen der DDR in einem Band zusammen. Die Ateliergespräche, erschienen im Verlag VEB E. A. Seemann, werden in der Ausstellung prominent und nachvollziehbar präsentiert und erlauben einen Einblick in das Denken und Wirken all jener Künstler:innen, deren Werke aus der Sammlung Hasso Plattners gezeigt werden. Des Dialoges nicht genug, werden großen Namen (Heisig, Mattheuer, Tübke etc.) Positionen gegenübergestellt, die der DDR Kulturpolitik mindestens als unliebsam einzuordnen sind (Cornelia Schleime etc.). Unbeantwortet bleibt der Dialog in Postkartenform – Besucher:innen dürfen öffentlich auf Fragen reagieren (Was bedeutet es für Sie im Osten/Westen aufgewachsen zu sein? Mit wem würden Sie gern in Dialog treten?) und so eigene Lebenswirklichkeit und Diskussionskultur offenbaren.

Ein Besuch des 1977 als Terassenrestaurant im s.g. Brauhaus Ensemble konzipierten Hauses, das seit 2022 wieder der Öffentlichkeit zugänglich ist, lohnt sich ob seiner architektonischen Bedeutung auch fernab der aktuellen Ausstellung unbedingt! 

Ein auf die Behauptung höherer Einsichten gestützter Hyper-Individualismus erweist sich in dieser materialreichen Zusammenschau als um 1900 auftretende Massenerscheinung, in der Freiheit letztlich zum Produkt wird: Die „ästhetische Praxis einer bürgerlichen Fluchtbewegung“ (Janos Frecot, bezogen auf die Flucht vor dem zeitgenössischen Rationalismus) wird in der Bonner Ausstellung eindrucksvoll bis zu den kalifornischen Hippies fortgeschrieben – die Spannung zwischen Affirmation und Kritik solcher Phänomene bleibt dabei wohl absichtsvoll unaufgelöst. Die Saaltexte begründen die beziehungsreiche Werkauswahl instruktiv, aber oft möchte man genaueres über die spannenden Objekte und Kontexte erfahren. Auch der Katalog (42 €) leistet dies leider nicht. Also vor dem Besuch etwas anderes lesen, etwa das kluge Buch (1972/1997) von Frecot/Geist/Kerbs über Fidus (1868-1948), der mit seinen auch in der Bonner Ausstellung zentralen Bildprägungen den Kult um das Aussteigertum befeuerte. 

Übrigens: Auch eher für Informierte ergiebig ist die Ausstellung „Susan Sontag – Sehen und gesehen werden“, bis 28. September 2025 ebenfalls in der Bundeskunsthalle.

Diese Ausstellung über „die Welt durch KI“ gibt zu denken: Von dem Medientheoretiker Antonio Somaini vor dem Hintergrund einer Unterscheidung von „analytischer“ und „generativer“ KI konzipiert, erfährt man nicht nur vieles über die mit Künstlicher Intelligenz verbundenen historischen Voraussetzungen, sozialen Abhängigkeiten und ökologischen Folgen, sondern erlebt etwa auch das zweifelhafte Vergnügen, von Trevor Paglen zum Objekt professioneller Kategorisierung anhand äußerer Merkmale gemacht zu werden (vgl. Insta-Post von Henry Keazor, Mitte Mai 2025). Mit der im zweiten Teil von Somaini anhand künstlerischer Auseinandersetzungen mit KI entfalteten These, wonach diese Technologie „latente Räume“ konstituiert, die weder real noch virtuell sind, wird sich eine künftige Theorie von KI(-Kunst) noch auseinandersetzen müssen… Unbedingt genug Zeit für die Ausstellung einplanen – und: ZKM, bitte übernehmen Sie!

Der Malerstar David Hockney ist in dieser großen Retrospektive in voller Breite zu erleben, von frühen gemalten Auseinandersetzungen mit menschlichen Beziehungsfragen über grandiose Landschaften bis zu einer Fülle von Porträts und malerischen Selbst-Spiegelungen. Erkunden lässt sich ebenfalls, wie Hockney seine virtuose Zeichenkunst schon früh elegant in das Medium des „Malens“ mit dem iPad überführt hat. Als verschmitzter Augenschmeichler erweist er sich nicht zuletzt auch in den als immersive chill-out-Area präsentierten Arbeiten für die Opernbühne… Die Ausstellung fordert und erhält Hingabe vom Publikum!

Insbesondere inszenierte Fotografie wirkt hier als Medium weiblicher Selbstermächtigung, von spielerischer Rollensuche bis zu sarkastischem Re-Enactment männlicher Dominanzposen. Wie politisch das Private schon in den 1970ern gesehen werden konnte, zeigen Künstlerinnen wie Renate Eisenegger, Hannah Wilke und Martha Wilson – für mich spannende Entdeckungen neben bekannten Größen wie Cindy Sherman oder der aktuell (endlich) viel gezeigten Annegret Soltau!